大卫·罗素的演奏技巧十分全面，而且拥有良好的音乐性与特色，对于每个音符的掌握也非常精确而仔细，已具备一代大师的风范。虽然他本身对于技巧的训练十分重视，但他强调，任何技巧都是为了表现音乐以及吉它本身风格而产生，因此绝对不能本末倒置，过分钻研左右手的弹奏技巧，而忽略了音乐素养的培养。因为完美的技巧并不能保证让人成为大师，顶多可以让演奏如同机器一般，毫无缺失，但是却无法令人感动。因此，大卫·罗素认为，技巧上的训练虽然是必要的，但无论如何都不能忘记学习吉它的原因，那就是，因为我们喜爱吉它，而吉它也为我们带来乐趣。他曾在Michael Stimpson所编的《吉它》一书中，概略性地提到古典吉它演奏技巧，虽然他没有很严谨地逐一探讨，但其中亦不乏可观之处，遂在此就其颇有独见之处，加以叙述，以供参考。
（一）姿势
大卫·罗素提到，他本身通常使用两侧无弯臂而平坦的座椅，椅子的高度视演奏者身高而定，一般而言，大约在40至50公分左右。在此他推荐使用钢琴演奏时所用的可调整高度的座椅，不仅学生可以不必迁就座椅的高度而改变自己的演奏姿势，老师也可以用于当必须教导每个身高不一的学生的时候。左脚踏板的高度大约在15公分左右，放置在左脚的正前方。他对吉它握法与演奏姿势的要求大致和其它人没有不同之处，但他提到整个姿势的重点在于吉它与演奏者的平衡以及全身的放松；此外必须注意的是，演奏时一定要把背部挺直，避免驼背的现象发生，身体及颈部也不要过于向左弯曲，这都是一般人常犯的毛病。
（二）右手
手腕不要过分弯曲，而是用最自然且不费力的姿势来运用各种弹奏技巧。开始演奏前可以将拇指放在第五弦上，食指放在第三弦，中指放在第二弦，无名指放在第一弦上，形成预备姿势，小指自然下垂，但不要靠在面板上。使用靠弦弹法时，大卫·罗素提到，虽然动作是由最靠近手掌的指关节产生，其他关节也会有一点点的动作，而非像其他演奏家所提到的完全固定不动；此外，拨弦时，他不喜欢把靠近指尖关节的力气放掉，使其碰到弦时反弯，而是保持足够的力气，以固定的方式弹弦。弹奏和弦时，几乎都是以勾弦弹法为好，各指的动作和只弹一弦时并无两样，笔者认为，其例外之处在于和弦跨越不相邻的弦，如弹奏一、三、五弦成为一个和弦时，这时高音部分可同时以两指，甚至三指的止弦弹法去弹奏；无论如何要注意的是，弹完之后不要让手掌有浮动或是跳动的现象，以免影响整体的稳定性。
（三）左手
罗素提到，左手手指压弦的重点不在于力气的大小，而在于动作的精确度。也就是说，左手压弦并不须花太多的力气，而是以足够的、不会使弦发出杂音的力气，压在最靠近琴的金属品格左侧的位置，若能维持这种动作的精确度，那么压弦时就能以最正确而有效率的方式进行动作。罗素同时也很重视所谓“预备”的观念，也就是说，在左手手指可延伸的范围内，当一个手指压在正在弹奏的音符时，另一个手指应该已经在下一个要弹的音符的指板位置上预备好了，如此一来便能够使演奏更为轻松而流畅；如果需要移动把位时，手指必须垂直抬起，才能避免移位时产生不必要的杂音这也是另一位大师卡雷瓦洛代表的完美主义派所运用的演奏技巧。
对于圆滑奏的观点，罗素也有独到之处，他认为，上行的圆滑奏，重点在于手指压弦的加速度与精确度，而非压弦的力气大小；下行的圆滑奏重点靠的是左手指拨弦的动作，但同时重点也在于拨弦的速度上，而非所用的力气大小。他也提到，左手手指拨弦时应该避免碰到相邻的下一弦，以免使下一弦走音，如此一来，这个拨弦的动作就像是左手手指的勾弦弹法，而非靠弦弹法。一般使用圆滑奏是为了使旋律更为流畅，但往往造成音量大小不均匀且音色也不一致，罗素认为，为了避免音量的变化太大，右手手指弹奏圆滑奏的第一个音时，应避免使用靠弦弹法，而造成过于强调第一个音，却使得该音和随后以左手作出的圆滑奏的音量落差过大，反而破坏了整体性。而震音、涟音、碎音与倚音是由一连串的上下行圆滑奏结合所形成，其中每个音符的清晰与否比起速度快慢更为重要，所有的音符都应该有同样的音量和尽可能相同的音色，才能维持旋律的一致与流畅。
（四）整体配合
所有的技巧事实上都是身体各个部位一连串小动作所配合产生，而好的演奏姿势是为了让演奏者能以最方便而省力的方式，完成这些技巧的相互配合。对初学者而言，最困难的莫过于左右手配合，常常设法想使旋律听起来流畅而圆润，却不是因为右手弹拨太快，就是左手离弦太早，以至于将弦的振动消除了。
因此罗素认为，平常练习时就必须将速度放慢，充分了解本身的每个弹奏动作是否完整而正确，避免漏掉每个细节。同样的态度也在他对于音阶的练习上可以找到，有别于一般人练习音阶时是以跨越六条弦的完整音阶为主，罗素在作音阶练习时，习惯以数个音为一组，练习在不同弦上弹出这些音符来，他认为这种练习更有助于学生熟悉整个指板上音符的位置，然后每天选一个调子练习，以增加对移调能力的培养。在谈到音色的一致性时，罗素也提到，因为弦的粗细与质量不同，每条弦都有其不同的音质，当一段旋律必须跨越数弦时，这个问题就产生了，他本身是以改变切弦角度来调整弹奏不同弦的音色而使其一致。例如弹奏第三弦时，会以比较接近垂直的角度拨弦，弹奏第一或第二弦时，又将角度改变得较为倾斜，至于四、五、六弦，为了避免指甲倾斜刮过所缠绕的金属线时所产生的刺耳的杂音，他总是垂直拨奏这几根弦。
揉弦（vibrato）
揉弦是将左手指尖固定压在某一琴格时，快速摇动手指以改变音高，这个动作通常可以和琴格平行，或是和琴弦平行，古典吉它通常采用后者，其动作的重点在于手指摇动的频率快慢以及动作的大小是否一致。揉弦可以突出某个主题、将某个呆板的乐句表现得更为优美而有生命，即使是和弦音，也可利用都卜勒效应原理，将吉它琴身瑰丽地前后摇动，改变其相对频率以得到揉弦的效果。
颤音（tremolo）
颤音若有效地运用，可以使吉它的音延长，这个技巧的重点在于右手每个动作，都要避免使手掌也跟着移动，以免影响速度与精确。通常演奏者会注意弹奏时的速度，而非每个音符的平均，这是错误的，罗素在此提出一种使每个音符平均的练习方法，也就是改变重音的位置，从一开始的（p,a,m,i），变成（a,m,i,p）、（m,i,p,a）、（i,p,a,m）等等，以充分掌握每个手指的音量与速度。
鼓声（tambora）
鼓声是以右手手掌连接拇指处的肉垫，敲击琴桥附近所产生的声音，这种声音混合了弦以及木质音箱的声音，其音色的变化则因敲击位置不同而改变。
然而无论技巧有多少种，罗素认为：最基本的，还是在于背谱与持续的练习。他常常看见学生的错误在于背错谱，而使得弹奏的乐曲和原作曲者的用意不同，或是原本简单的技巧却变成很困难的部分。罗素建议学生要将谱熟记在脑海里，甚至可以不用乐器而让乐曲在脑中演奏一遍，他本身决不会演奏无法在脑海中想象着演奏无误的曲子，因为这表示自己仍不够熟练。此外，练习时也要尽量避免发生任何错误，否则等到弹法已经固定之后，任何的变动都是很困难的因此笔者建议即使在能完全背谱演奏之后，平常练习时也要偶尔视谱弹奏，以避免背错谱而浪费时间。最后，持续的练习才能使演奏者随时保持演奏水准以及对音乐的敏感性，也才能弹奏出具有生命的音乐。
